En esta ocasión presentamos una entrevista con David Fokos, uno de los artistas mas importantes de la fotografía moderna y sin dudas uno de los fotógrafos mas renombrados y reconocidos de la actualidad. David tuvo una excelente disposicion con LF y contesto todas nuestras preguntas en forma realmente extensa y con conceptos mas que interesantes. Extendemos el agradecimiento enorme a David por la buena onda y el material y un agradecimiento especial por enviarnos sus fotos y autorizarnos a usarlas para ilustrar la entrevista.
- David, es un honor inmenso que nos hayas concedido esta entrevista. Siempre comenzamos con la misma pregunta. ¿Podrías por favor presentarte?Hola, mi nombre es David Fokos. Soy un artista fotográfico que vive en San Diego, California. Me dedico a la fotografía desde hace mas de 30 años, gran parte de este tiempo en la Isla Martha Vineyard en donde viven mis padres. (La isla Martha Vineyard es una isla en frente de la costa sur de Massachusetts)
Mi trabajo, que puede ser caracterizado como grandes paisajes minimalistas en blanco y negro, puede encontrarse en las colecciones de varios museos, empresas y collecionistas privados. Actualmente estoy representado por once galerías alrededor del mundo.
Wooley Reservoir
El color es un elemento tan poderoso en una imagen que creo que el tema en las fotografías en color mas exitosas es precisamente el color. Las emociones que yo trato de representar en mis imágenes no estan basadas en el color sino en las líneas, luces y formas y por lo tanto creo que el color sería una distacción en mi trabajo.
Jetty
Creo que originalmente, cuando estaba aprendiendo como revelar en film, me hacía el proceso mas simple. En la universidad aprendí también como hacer impresiones color, pero nunca lograba hacerlas correctamente. Había comenzado a trabajar con la cámara de formato grande pero no tenía un cuarto oscuro entonces decidí usar las impresiones en platino, lo cual hice por 15 años, porque un cuarto oscuro no es necesario cuando se imprime en platino.
Ahora, con la tecnología moderna (balance de blancos digital, impresoras de chorro de tinta, etc). Podría hacer impresiones tecnicamente perfectas en color si ese fuera mi deseo. Por eso mi decisión de trabajar en ByN o color se basa solamente en que medio sirve mejor para mi trabajo y mi mensaje.
Two Rocks
Si bien yo tambien uso la palabra "minimalista" cuando describo mi trabajo uno debe ser realmente cuidadoso con la palabra "Minimalista" con "M" mayúscula. El movimiento de arte Minimalista tiene algunas motivaciones muy específicas asociadas a él. Dicho eso, creo que sería justo caracterizar mis imagenes como fuertes composiciones minimalistas, con "m" minúscula.
Los artistas eligen usar técnicas minimalistas por muchas razones diferentes pero yo solo puedo hablar por mi mismo. Mis imágenes, con las cuales trabajo desde 30 años, no son acerca de lo que se ve sino acerca de lo que se siente. Son el resultado de mi deseo de expresar al público la escencia de mis experiencias en esos lugares, y he encontrado que mis composiciones minimalistas son las mas efectivas.
Algunos de mis pensamientos sobre este tema son, no obstante, bastante técnicos. Para hacerlo simple creo que nuestro sentido de la experiencia se construye a lo largo del tiempo,como una mezcla de muchos eventos de corta duración. Frecuentemente sugiero la siguiente analogía: Supongamos que te conoces a alguien por primera vez. Tus impresiones sobre esta persona no son un snapshot en tu mente de la primera vez que la viste, sino un retrato que has ensamblado a lo largo de muchos momentos independientes. Cada vez que esa persona exhibe una expresión nueva en su rostro, o realiza un gesto con las manos lo agregás a tu representación de lo que esa persona es para vos. Tu imagen de esa persona, como te sentís hacia ella, se forma a lo largo del tiempo y no a partir de una sola expresión o gesto.
De la misma forma creo que nuestra impresión del mundo se basa en la experiencia total. Por ejemplo el océano siempre me ha hecho sentir calmo, relajado y contenido. Si fuera a tomar una imagen instantánea del océeano esta foto incluiría olas, con bordes duros y agresivos, espuma y salpicaduras. Este tipo de imagen no me hace sentir calmo, no representa lo que el océano me hace sentir. A lo que yo respondo es a la forma subyecente fundamental del océano, su inmensidad expansiva y la fuerza de la línea del horizonte ambas cosas son cosas muy estables y calmas, relajantes. Por lo tanto tuve que encontrar una forma de deshacerme de la imagen desordenada, del ruido visual de las olas para obtener la escencia de mi experiencia. He hecho esto usando la habilidad de la cámara de promediar el tiempo, a través de exposiciones largas. De esta forma puedo aplacar el ruido visual, los eventos de corto plazo y revelar un mundo oculto. Es un mundo muy real a decir verdad, algo que la cámara puede captar perfectamente, solo que no es algo que normalmente experimentemos visualmente.
Nuestros cuerpos responden a una gran variedad de estímulos. Lo que vemos, la información visual, es solo un tipo de estímulo, aunque es frecuentemente el mas poderoso de los sentidos. Sin embargo dada la rapidez con la que las ondas de luz viajan esta información se nos presenta como una serie infinita de momentos congelados. Nuestros cuerpos tambien reaccionan a otro tipo de estímulos en escalas de tiempo mayores a las visuales. Las ondas de sonido tienen duraciones mucho mayores las de la luz por lo que nos toma mas tiempo capturar un "momento de sonido". Nuestra piel reacciona a la luz del sol, otro estímulo, pero ¿cuánto nos demora lograr un bronceado o una quemadura?. ¿Cuáanto tiempo pasa hasta que perdemos un recuerdo?. El punto es que el mundo existe como un continuo de tiempo, no solo un momento congelado. Nuestros cuerpos responden al mundo en forma acumulativa, promediando nuestra experiencia a medida que transcurre el tiempo. Usando la habilidad de la cámara de promediar el tiempo mediante exposiciones largas puedo revelar como se ve el mundo en una escala de tiempo mayor. Mi proceso fotográfico actua como un traductor, traduciendo desde el mundo invisible de los eventos no instantáneos al mundo visible de una fotografía.
A mi me tomó un largo tiempo entender esto, 15 años durante los cuales mis imagenes fallaban en expresar las emociones que quería comunicar. Luego, lentamente, empecé a experimentar un cambio en algunas de mis fotos. Si bien no eran completamente exitosas había cosas en esas fotos que apuntaban a lo que yo quería expresar. Me pasé un largo tiempo contemplando y analizando porque estas imágenes eran mas exitosas para mi que otras.
Cuando una escena no contiene movimiento una exposición instantánea es suficiente, ya que una exposición larga no haría diferencia alguna. La clave para estas imágenes es componer la foto en una forma que destaque lo que quiero compartir y minimice el resto. Eliminar las distacciones, eliminar el ruido visual.
Cuando creo una imagen, se exactamente en donde quiero que el público se concentre y lo que quiero hacerles ver y sentir. Reducir mis imágenes a un minimalismo austero obliga al público a examinar con mayor detalle lo que ha quedado en la foto. En este aspecto he sido muy influenciado por las tradiciones estéticas japonesas. En la universidad estudié arte e historia de Japón, sus películas y Haiku. Me ha inspirando enormemente la habilidad de la poesía haiku de convertir un sentimiento muy profundo en un número mínimo de palabras.
Cuando creo mis imágenes no me proponto conscientemente hacer "haiku fotográfico" o tratar de ilustrar conceptos relacionados al haiku como seijaku (tranquilidad), sabi (patina y la apreciación de la naturaleza efímera de las cosas), shizen (sin pretensión) y wabi (simplicidad rústica, frescura, apreciación de la imperfección). Sin embargo, siento que el espíritu expresado por estos conceptos resuena en mis trabajos. Fue a través de mi trabajo, en la medida que tanto me costaba realizarme durante esos 15 años iniciales, que estas ideas se revelaron a si mismas delante de mis ojos.
Un aspecto del mi estilo minimalista es que intensifica la observación y apreciación de las pocas cosas que quedan en la imágen. Muy a menudo cuento una anécdota maravillosa del "Libro del Té" de Okakura Kakuzo. Trata sobre el poder de reducir algo a su escencia, algo que yo trato de hacer con mis fotografías. Es una historia sobre el budista Zen maestro del té Rikiu.
"En el siglo 16 la azalea era aún una planta rara entre nosotros. Rikiu tenía un jardín entero plantado con ella, que cultivaba con asidua dedicación. La fama de su jardín había llegado a oidos de Taiko, quien expresó sus deseaos de verlas y , en consecuencia Rikiu lo invitó a tomar el té de la mañana en su casa. En el día del encuentro Taiki caminó a lo largo del jardín pero en ningún lado podía ver la planta en cuestión. La tierra había sido nivelada y cubierta con finas piedras y arena. Con mucho enojo el déspota entró a la habitación del té pero lo que vio alli le devolvió su humor. En el tokonoma, en una rara vasija de Bronce trabajada a mano se vea una planta de azalea, la reina del jardín entero!"
Para componer de manera mínima decido lo que quiero transmitir, que elemento de la escena quiero que sea el centro ed atención y que emociones quiero evocar. Luego trato de minimizar todo lo demás que pueda competir con estos elementos. La composición se vuelve crítica; especialmente como los elementos principales interactuan con los elementos menores, el horizonte, los espacios positivos y negativos creados por la ubicación de los elementos, los bordes del cuadro y la tensión y armonía creadas por la posicion de cada cosa.
Cuando compongo, presto especial atención al fondo y los bordes de la foto para asegurarme de que no haya nada alli que pueda ser una distracción. A menudo esto singnifica que no puedo tomar la foto. Algunas veces tomo la foto pero tengo que trabajarla en Photoshop luego para obtener la foto que realmente quería. Un ejemplo de esto es mi foto de Northumberland, Inglaterra titulada "Wooley Reservoir". Cuando hice esta foto la tierra en el frente estaba cubierta con docenas de pequeñas rocas blancas. Podría haberlas quitado a mano pero decidí hacerlo digitalmente. El ojo siempre se ve atraído por las zonas mas luminosas de una imágen y esas rocas eran una distracción - y debían desaparecer!
West Chop Poles
Uso una cámara Korona 8x10 de 80 años de edad. Solo uso un lente, un Rodenstock Sironar-S de 210mm. Este lente es un lente angular en mi cámara, el equivalente a un 29mm en una cámara 35mm. Ironicamente, tener solo un lente me permite mayor libertad. Si tuviera una cantidad de lentes importante estaría continuamente tratando de decidir cual usar. Cuando uno solo tiene un lente este problema nunca ocurre! En lugar de quedar paralizado en la indecisión soy libre de concentrarme en mis composiciones.
Todavía uso película 8x10 por las siguientes razones:
a) Hago algunas impresiones realmente grandes y la película 8x10 me da la resolución necesaria.
b) Frecuentemente (85% de las veces) hago uso de la distorsión que se obtiene al usar el mecanismo de back-tilt en mi cánara, y puedo previsualizar el resultado.
c) Me siento cómodo componiendo en el visor de 8x10.
d) La falla de reciprocidad de la película Tri-X me ayuda a evitar quemar las luces altas en mis exposiciones largas.
Una vez dicho esto, estas son mis opiniones acerca del estado actual de la captura de fotos.
Si asumimos que es mi itención seguir haciendo grandes impresiones, algunas de mas de 8 pies de largo diría que una cámara digital de formato medio como la Phase One P45+ es capaz de producir la resolución necesaria, incluso mas ya que la resolución de mi película está limitada por el grano de la misma mientras que un respaldo digital de formato medio en ISO 50 produce capturas libres de grano incluso en exposiciones largas. Para impresiones de menor tamaño la mayoría de las DSLRs actualmente disponibles son igual de capaces.
Me encantaría poder hacer todo en forma digital. La fotografía analógica es mucho mas difícil. Para pensar: mi equipo pesa 60 libras [NE: unos 30 kilos]. Tengo que despachar mi equipo por anticipado a cualquier lugar que vaya. Cuando trabajo salgo con 12 placas de película (a U$S 2 por placa). Disparo por lo menos 2 exposiciones de cada foto por si algo malo le pasa a alguno de los negativos. Algunas veces pruebo diferentes tiempos de exposición, diferentes composiciones o diferentes combinaciones de filtros. Esto quiere decir que cada vez que salgo puedo tomar una o dos fotos antes de tener que recargar la película en un cuarto oscuro. Mi cámara es muy susceptible al viento lo cual excluye los días de viento y lugares ventosos. Luego de las tomas tengo que despachar mi equipo y los negativos de regreso a mi casa, y todavía falta el revelado y su costo. Solo entonces tengo la primera oportunidad de ver si alguna de mis fotos vale la pena. Luego debo escanear los negativos, que aunque lo hago a 2400dpi es otro paso que degrada la imágen, y finalmente luego de todo ese trabajo estoy listo para trabajar en mi foto.
Una cámara digital me permitiría:
a) Llevar el equipo conmigo en el avión
b) Disparar tantas fotos como quiera sin costo alguno
c) Tener un feedback instantáneo para revisar mis composiciones, la exposición, etc. Sin tener que viajar al otro lado del mundo para corregir problemas.
d) Trabajar en dias ventosos.
e) No tener que revelar película
g) No tener que escanear
g) Tener fotos sin grano
h) Tener fotos con un rango dinámico mayor a la película. Mas aun si uso técnicas HDR.
Entonces, ¿por que todavia uso película? La respuesta es muy específica de mi forma de trabajar y el tipo de fotos que me gusta hacer. Mi impresión es que para el 99.99% de los fotógrafos mis motivos serían irrelevantes. Significativamente la falla de reciprocidad de la película Tri-X me ayuda a no quemar las luces altas, una cámara digital tiene un rango dinámico mayor a la película pero es mucho mas lineal y eso causaria algunas dificultades en las exposiciones largas (estoy trabajando en ello).
Tambien es importante para mi manipular la perspectiva usando los movimientos de mi cámara y me he acostumbrado a componer en el visor de la cámara. Los visores de los LCDs de las cámaras digitales son muy pequeños para mi y odiaría andar con la laptop por alli para poder previsualizar las imágenes. Todas estas son limitaciones personales que con el tiempo podría aprender a conllevar. Finalmente en el caso particular del respaldo Phase One hay algunas dificultades en la forma en que responde al uso extensivo de filtros de densidad neutra. Si bien las cámaras digitales suelen tener un filtro que bloquea la luz infraroja el filtro de las Phase One no es demasiado fuerte lo que ocurre entonces es que en exposiciones largas usando filtros de densidad neutra la imagen se contamina con luz infraroja. Uno podria, por supuesto agregar un filtro IR al lente.
Mi impresión personal es que para casi todos las cámaras digitales son la herramienta técnicamente superior. Ocurre que algunos simplemente preferimos seguir trabajando con película por una variedad de razones personales.
Al final todo se reduce a entender que la tecnología es solamente una herramienta para hacer las fotos que queremos y compartirlas con el mundo. Una herramienta que es la adecuada para una persona puede no serlo para otra. Cada uno tiene que elegir aquello que mejor lo ayude a realizar su trabajo.
Unfinished Pier
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